Le début du film commence avec une femme, Karen, assise dans un restaurant chic, elle observe une jeune femme, Susanne, qui essaie de faire manger proprement deux hommes, handicapés mentaux. L’un d’eux, Stoffer, se prend d’affection pour Karen. L’autre, Henrik, perturbe le repas. Agacé, le garçon leur demande de partir. Karen les accompagne. Dans le taxi, elle comprend que ces deux personnes ont joué les idiots. Elle est involontairement impliquée dans le jeu de ce petit groupe, mais finalement, va décider de rester un peut avec eux. La communauté joue les débiles à la piscine, puis à Copenhague. Ils sont ravis à chaque fois que l’un d’entre eux trouve une nouvelle manière de dépasser les limites de la bêtise. Pour vous dire qu’un jour, l’or d’un faux anniversaire une partouze est organisée, avec l’accord plus ou moins tacite des participants. Et ce qui est certain c’est que ce passage lui n’est pas faux, c’est bien réel, et on voit tout, pas longtemps mais assez pour en rester bouche bée. C’est du Lars Von Trier.Par la suite le chef du groupe veut aller encore plus loin. Il faut que chacun soit capable de rentrer chez ses proches et de jouer les débiles, dans sa famille ou au travail. Alors y arriveront-ils ou pas? Je ne vous le dirais pas il faudra voir le film.

Le film est structurée par le trajet de Karen. Car tout prend sens à partir du malheur de cette dernière dont le visage ressemble à un masque tragique. Ses interventions brèves structurent le film en le ponctuant selon une certaine logique. Elle résiste maladroitement à la folie du groupe, et finalement c’est elle qui va le plus loin dans la transgression sociale. Elle va prendre conscience d’un tas de chose concernant sa vie et va les changer. Cette communauté en sympathie avec son malheur devient le seul repère affectif de Karen. Réciproquement, l’expérience des idiots trouve dans le tragique sa véritable raison d’être.

Parlons à présent du réalisateur, Lars Von Trier. Il fait sa première apparition à l’écran comme acteur, en 1968, dans la série télévisée L’Eté Mystérieux.
Dérangeant, Lars Von Trier est un réalisateur qui fascine et avec qui on ne ressort jamais indemne de ces films. Dans les Idiots le scénario est poussé à l’extrême par ces acteurs qui n’ont vraiment pas froid aux yeux et qui se sont donnés à fond… et… bien à fond! là je veux parler de la scène de la partouze.
Lars Von trier prête autant d’attention à ses acteurs qu’aux gens qui les regardent. Ce qui l’intéresse dans ces expériences n’est pas seulement la notion d’attentat mais aussi la façon dont l’attentat se développe peu à peu, dont le regard change. Mais Lars Von Trier va encore plus loin. Son point de vue est étrange et déstabilisant. D’abord, on pense que ce n’est qu’une simple provocation. Et puis, on comprend quelque chose de plus. C’est une provocation, certes, dirigée contre le monde, ou la société, mais contre toute forme de société en général.

De son véritable nom Lars Trier (il ajoutera le «von» aristocratique durant ses années d’école de cinéma), ce réalisateur et scénariste est aussi un des fondateurs du Dogme 95 qui définit d’après dix règles précises une façon de filmer. Je reviendrait plus en détail sur ce Dogme dans quelques instants.

Von Trier cherche fréquemment à réinterpréter des genres très codifiés tels que la comédie musicale « Dancer in the Dark », le film noir « The element of crime » ou le film d’épouvante « l’Hôpital et ses fantômes », en leur imprimant un style très personnel qui donne une grande place à la caméra portée.

Depuis le début de sa carrière, il adopte régulièrement une attitude polémique ou provocatrice, soit dans ses films soit dans ses interviews. Dès son premier long métrage, Element of crime(1984), il déclare: «J’espère de tout cœur que le film sera vu comme immoral. Je ne tiens pas à contenter les gens, je veux qu’ils prennent position».

Puis lors du Festival de Canne en 2011, il multiplie les provocations, à l’occasion de la projection de son film Melancholia. Lors du «photocall», il commence par tendre son poing droit où il s’est fait tatouer le mot «FUCK». Ensuite, lors de la conférence de presse, il affirme entre autres son intention de faire un film pornographique de 3 ou 4 heures avec Kirsten Dunst et Charlotte Gainsbourg sur requête de ces dernières, vous cibler un peut le personnage là?!

Et maintenant je voudrais aborder plus en détail la manière dont à été tourné le film, sous le Dogme 95. Les films «dogmatiques» selon ce mouvement répondent à un style de réalisation épuré, simplifié: pas ou peu de montage, avec des prises de son en direct, et filmé caméra sur épaule. Son style et ses thématiques sont parfois influencés par les maîtres de l’école scandinave, Dreyer et Bergman, ainsi que par le réalisateur soviétique Tarkovski.
Le manifeste du Dogme95, écrit à Copenhague par Lars Von Trier et Thomas Vinterberg, est daté du 13 mars 1995 mais il sera proclamé officiellement et publiquement le 20 mars 1995 au théâtre der l’Odéon à Paris, dans le cadre d’une rencontre sur le centenaire du cinéma.
Le Dogme95 est lancé en réaction aux superproductions anglo-saxonnes et à l’utilisation abusive d’artifices et d’effet spéciaux donnant du coup des produits formatés, jugés anodins et impersonnels. Le but du Dogme est de revenir à une sobriété formelle plus expressive, plus originale et ainsi être capable d’exprimer les enjeux artistiques contemporains. Dénudé de tout atrait esthétique et en prise avec un réel direct, les films qui en ressorte donnent un style vif, nerveux, brutal et surtout, réaliste, généralement tourner avec une caméra 35mm portée au poing ou à l’épaule et avec improvisation de plusieurs scènes.
Les promoteurs du Dogme, n’appliqueront jamais totalement ces principes, en particulier le dixième, ( qui est que le réalisateur ne doit pas être crédité) mais tenteront de s’en approcher le plus possible. Un label « officiel » marque les films répondant suffisamment aux critères du manifeste.

Pour finir avec ce sujet de réalisation voici, Le Vœu de chasteté du Dogme95 écrit par Lars Von Trier et Thomas Vinterberg.
1. Le tournage doit être fait sur place. Les accessoires et les décors ne doivent pas être amenés (si on a besoin d’un accessoire particulier pour l’histoire, il fait choisir un endroit où cet accessoire est présent).
2. Le son ne doit jamais être réalisé à part pour des images, et inversement (ce qui veut dire qu’aucune musique ne doit être utilisée à moins qu’elle ne soit jouée pendant que la scène est filmée). C’est pourquoi par rapport à ce point les tapis de cette rubrique que vous entendez ne sont pas du film, car il n y a pas de musique dans c efilm, eh oui. C’est pourquoi j’ai fait une sélection de grand classique de film et d’autres
3. La caméra doit être portée à la main. Tout mouvement, ou non-mouvement possible avec la main est autorisé. (Le film ne doit pas se dérouler là où la caméra se trouve; le tournage doit se faire là où le film se déroule).
4. Le film doit être en couleurs. Un éclairage spécial n’est pas acceptable. (S’il n’y a pas assez de lumière, la scène doit être coupée, ou une simple lampe peut être attachée à la caméra).
5. Tout traitement optique ou filtre est interdit.
6. Le film ne doit pas contenir d’action de façon superficielle. (Donc les meurtres, les armes, etc. ne doivent pas apparaître).
7. Les détournements temporels et géographiques sont interdits. (C’est-à-dire que le film se déroule ici et maintenant).
8. Les films de genre ne sont pas acceptables.
9. Le format de la pellicule doit être au format académique soit en 35mm.
Et enfin
10. Comme je vous en ai déjà parlé le réalisateur ne doit pas être crédité.

Pour terminer
La violence du film a un spectre bien plus large que ce qu’on voudrait croire au début. C’est une violence qui se retourne contre l’humain. C’est une expérience qui naît sous nos yeux puis s’autodétruit. Il y a l’engouement assez primaire des premières scènes, l’ambiguïté des suivantes, puis la mise à mort des dernières. D’ailleurs a scène de fin et d’une véritable puissance! Ce film osé repose avant tout sur les acteurs qui sont justes géniaux. A voir pour comprendre. L’oeuvre est perverse sans conteste mais au combien réfléchie sous son masque de grotesque.
Emotionnellement, rarement un film aura fait ressentir autant de sentiments opposés au spectateur, qui peut passer du rire à la gêne puis au malaise intenable dans la même scène. Un revirement complet en terme de cinématographie…si votre cerveau peut le supporter, c’est à ne pas manquer!

« Les idiots », donc, amènent obligatoirement, pour peu que l’on se laisse prendre au jeu, à de profonde réflexions, sur le détachement, la réalisation de soi, l’art et la société moderne et nous conduit à reconsidérer, réanalyser nos propres valeurs morales et notre rapport intime à la société, comme plus aucun film ne nous en laisse la possibilité aujourd’hui. Lars Von Trier nous fait nous questionner en touchant là où çà fait mal et ne cherche nullement à caresser les idées reçue dans le sens du poil, réalisant ainsi un film totalement subversif.

c’est pas chic, mais qu’est-ce que c’est choc! NON?!

Pour terminer cette rubrique, voici venu le temps des rires et des chants, non je rigole, voici venu le temps de répondre à ma question pour gagner deux billets de cinéma
De quelle origine est le film? Danois

Gaspard Noé prend un acte, que le lecteur survole habituellement du regard dans le journal du matin comme un « fait divers » rendu par les médias d’une extrême banalité, distancé et dépersonnalisé à l’extrême, et adopte ici une démarche complètement inverse de celle des médias, en nous montrant toute l’ignominie, toute la cruauté, et ses conséquences destructives et sauvages sur l’entourage de la victime. Pour y arriver il va user de tout les moyens. Cette démarche dangereuse et peu compréhensible sans un certain recul au préalable est sans doute la cause du rejet en bloc et de l’incompréhension du film par une partie du grand public. Il faut en effet traverser une heure excessivement difficile et éprouvante avant de comprendre peu à peu la démarche et le message.
Comme je vous le disais en début de chronique, le film est monté de sorte qu’il débute par la fin de l’histoire. Chaque scène est donc présentée en ordre décronologique. Ainsi toutes les séquences qui suivent et qui durent environ une dizaine de minutes, racontent ce qui s’est passé précédemment. Le film se termine sur le début de l’histoire.

Tout commence par un faux-générique de fin habilement déroulé à l’envers. Gaspar Noé reprend le principe de Memento de Christopher Nolan et raconte son récit non pas par une chronologie simple ou des flash-backs éclaircissant les faits mais en remontant peu à peu le temps, passant de la folie au calme, de la haine à l’amour, de l’enfer au paradis. Ce dispositif narratif n’est pas une astuce scénaristique. Il change simplement la perception des personnes et du propos.
La première demie-heure plonge le spectateur dans le chaos. La caméra semble insaisissable, fixe la lumière, les murs, scrute le moindre personnage. On est transformé en un papillon de nuit qui recherche systématiquement la lumière. La musique Silent Hillienne , de Thomas Bangalter, une moitié de Daft Punk, et l’incroyable travail sur le son, provoque l’hypnose. Ces trente premières minutes sont accompagnées d’un bruit de fond d’une fréquence de 28 Hz (basse fréquence proche d’un infrason), difficilement audible mais pouvant être ressenti à travers la cage thoracique.
Pour les humains, ces bruits à basse fréquence peuvent provoquer nausées et vertiges, bien qu’il n y ai pas que ces sons qui provoquent ça, car moi sans home cinéma et un mauvais son à la maison, et bien plus loin, que les 30 1ères minutes j’ai quand même ressenti tout ça! (vous vous souviendrez longtemps des bruits de sirène accompagnant la scène dans la boîte de nuit que vous pouvez entendre en fond maintenant). Le cœur renversé, les repères bouleversés, on guette le moindre moment de calme, pris dans une tourbillon de bruits, d’images et d’odeurs.

Enfin la caméra se calme. On accompagne Marcus et Pierre dans les back-stage d’une boîte homo, Le Rectum. Marcus cherche un homme avec visiblement des intentions très agressives. Pourquoi ? Gaspar Noé, en inversant la chronologie, transforme profondément le sens du film. Sans connaître le but de la vengeance, celle-ci paraît disproportionnée et animale. Cette 1ère scène, celle du meurtre, c’est Pierre qui se saisit alors d’un extincteur. Le passage est d’une violence inouïe, le travail sur le son est terrifiant. Chaque coup d’extincteur est une détonation. Peu à peu le visage de l’homme frappé est réduit en bouillie. Albert Dupontel est incroyable dans ce passage. Son regard n’exalte aucune haine, juste du soulagement et du désespoir.

Plusieurs retour en arrière, puis le spectateur est assommé à nouveau, sonné. Un viol est évoqué. Gaspar Noé filme la réalité dans sa durée. Sans aucun mouvement de caméra ni ajout de musique, il nous montre donc un viol dans toute son horreur. Cette scène fut pour ma part insoutenable. Gaspard Noé impose son idée, sa vision, et le spectateur subit le film plus qu’il ne le regarde. A l’image du viol physique d’Alex, le personnage interprété par Monica Belluci, le spectateur impuissant subit un viol psychologique à la condition bien sûr de résister à l’envie oppressante de quitter son siège ou de zapper (dans le cas du DVD).mais en aucun cas le filmage de la scène n’est complaisant. Et c’est justement après cette scène que le procédé narratif devient non plus une astuce narrative mais un coup de génie. Irréversible n’est pas un film sur la vengeance après un viol sordide, mais un long-métrage sur le bonheur avant un événement horrible. Tout semble écrit à l’avance. Le temps détruit tout. Gaspar Noé ne glamourise pas la recherche du violeur. Bien au contraire, il montre un engrenage. La violence appelle la violence. Œil pour œil, dent pour dent. La vengeance est un droit de l’homme. Pourquoi ? Car pour Gaspar Noé, l’homme, au contraire de la femme, est un être impulsif, secoué de pulsions violentes, en résumé un animal.

Le trio d’acteur est formidable et ils sont plus vrai que nature. L’improvisation des scènes confère à Irréversible une hyper-réalité parfois maladroite, toujours touchante. Vincent Cassel en chien fou enragé fait peur, Albert Dupontel en bombe à retardement est époustouflant et Monica Belluci… et bien on pleure pour elle. Puis l’amour évident entre Monica Bellucci et Vincent Cassel accentue aussi le réalisme des scènes intimes qui atteignent ainsi une vérité, la Vérité. Albert Dupontel en ex-amoureux réfléchi qui se contient, qui pense d’abord au bonheur d’autrui avant de finalement lui-aussi céder à sa pulsion animale, livre une composition étonnante.
Côté musique comme je vous le disais c’est signé Thomas Bangalter, Daft Punk, on reconnait bien ici sa patte et cela donne la touche en plus au film, extrait

Qu’on le prenne pour un pervers ou un manipulateur, Noé n’en est pas moins un virtuose. Il utilise l’art du mensonge non pas pour atténuer ou faire oublier le réel mais pour l’amplifier. Du coup en sortant de la salle, la réalité est un soulagement.
Ce décalage dans la perception des faits donne toute sa force au film. Il rend insoutenables les deux scènes de violence physique comme il ajoute un côté déchirant aux moments de bonheur devenus impossibles.
Le deuxième film de Gaspar Noé est un objet cinématographique non identifié, une bombe sensorielle et formelle, un film unique qui prend au tripes jusqu’à l’écœurement et la nausée. Ce vrai choc tellurique aux effets durables et persistants est un film incroyablement maîtrisé avec une esthétique et un message sombre et pessimiste, soutenu de sons et d’images bouleversantes. Irréversible, bêtement critiqué par certaines presses est une ode à la féminité avant d’être une simple histoire de vengeance, une œuvre responsable et réfléchie.
La naration inversée choisie délibérément par le réalisateur de ‘Irréversible’ retire au public une libération, cet exutoire. En imposant chronologiquement l’acte de vengeance avant le viol d’Alex, Gaspard Noé annihile le crescendo dramaturgique auquel le spectateur est confronté habituellement et lui refuse cet exutoire libérateur d’où un malaise, un rejet violent extrêmement naturel de la part des spectateurs et ce fut sans doute la réaction recherchée par Noé.
Avec Seul contre tous, Noé avait déjà frappé l’imagination avec un étonnant travail sur le cadrage et l’usage d’une voix-off hallucinatoire. Pour Irréversible, il déploie sa science du plan-séquence. Admirateur de Stanley Kubrick, il reprend-là l’une des idées du maître décédé. A son sujet, sa forme.
Irréversible convoque aussi Lars Von Trier, Hanecke, Peter Tcherkassky et Hou Hsiao-Hsien :

Ce qu’il faut savoir sur ce film, c’est qu’il fut présenté à Cannes lors du festival en 2002, et ce fut l’un des films les plus controversés de cette année, entraînant la France dans un débat extrêmement passionné, avec les deux scène hyper explicites, réalistes et violentes. Durant la projection, plus d’une vingtaine de personnes ont fait des malaises, nausée, étourdissement etc… et sur les 2400 places dans la salle, 200 personnes sont sorties avant la fin du film. Je dois dire que je me suis fait beaucoup de mal en regardant ce film, mais je suis contente de l’avoir regarder jusqu’au bout, et je dis dommage à ceux qui n’ont pas vu la fin, qui n’est autre que le début de l’histoire et de ce fait se termine sur une note de joie de calme et de bonheur, ouf…. on respire… un peut

Oui Irréversible Foudroyant, impitoyable, pervers Incandescent. Insupportable. Incroyable. Inimaginable. Irracontable . Insoutenable
Ce film ne manque pas d’adjectifs pour le décrire, des bonnes et des mauvaises critiques pas toujours très constructives pour ces dernières, je pense qu’il faut le voir et l’apprécier… ou pas.
On ne peut tout simplement pas regarder ‘Irréversible’ à répétition à moins d’avoir clairement quelque chose qui cloche ou bien d’avoir envie d’analyser son fonctionnement.
Rarement un film n’aura provoqué autant de réactions et d’interprétations contradictoires de la part du public, des médias et des critiques de cinéma à sa sortie.

Parce que le temps détruit tout, parce que certains acte sont irréparables, parce que l’homme est un animal, parce que le désir de vengeance est une pulsion naturelle, parce que la perte de l’être aimé détruit comme la foudre, parce que l’amour est source de vie, parce que toute histoire s’écrit avec du sperme et du sang, parce que les prémonitions ne changent pas le cour des choses, parce que le temps révèle tout, le pire et le meilleur.
‘Irréversible’ n’est pas un beau film, c’est une expérience douloureuse et exténuante dont on ressort traumatisé, bouleversé, dégoûté et dont les images vous hanteront longtemps après… mais on en ressort également avec une incroyable pulsion de vie !

c’est pas chic, mais qu’est-ce que c’est choc! NON?!

Bravo à Sandrine Zahno qui a remporté deux billets de cinéma au Royal en répondant à la question du jour.
Qui signe la musique du film? Thomas Bangalter, une moitié de Daft Punk